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那是最美好的时代，那是最糟糕的时代；那是智慧的年头，那是愚昧的年头；那是信仰的时期，那是怀疑的时期；那是光明的季节，那是黑暗的季节；那是希望的春天，那是失望的冬天；我们全都在直奔天堂，我们全都在直奔相反的方向–简而言之，那时跟现在非常相象，某些最喧嚣的权威坚持要用形容词的最高级来形容它。说它好，是最高级的；说它不好，也是最高级的。

—— 双城记 · 狄更斯（英）

现在，于我

是一个糟糕的时代，一个充满怀疑与抛弃的时代

曾经的光明不再光明，曾经的希望不再希望

沦入无尽的黑暗

面对你

我已无言，剩下的

唯有静待……

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1、《昼夜摇滚》(ROCK AROUND THE CLOCK)1956年：它也许是世界上第一部真正的摇滚电影，也是摇滚这个词第一次被用到电影中，以今天的眼光来看，它其实和一部纪录片差不多，因为片中的情节几乎可以忽略不记，台词也只是对音乐的铺垫，它真正的意义在于汇集了摇滚乐最早一批乐手歌手的现场演出，并用这些疯狂在现实世界里引出更多疯狂，由于比尔· 哈利、“彗星”等人的演出实在疯狂，而引起的骚乱又太多，所以在英国众多城市遭到禁映。

2、《神秘列车》(MYSTERY TRAIN)1989年：吉姆·贾木许电影作品，这部电影比猫王自己的一大堆电影更能反映其精神实质。

3、《Jimi Hendrix——Experience Electric Ladyland》1970年：Jimi Hendrix的英年早逝，叫乐评人认定这是摇滚乐坛在十九世纪的最重要损失之一，他迷幻的吉他手法，将个人灵气与音乐结合得叫听者动容，能够将吉他弦变成如人类的舌头，会讲话，会令人开心，落泪。今之这张Electric Lady land的VCD，就制成一张Jimi Hendrix自传式的影像纪录，收入Hendrix演出的片段，在音乐制作时的认真态度，完全是冲破时空活现眼前。而且也访问了不少乐坛中人，例如Steve Windwood，Eddie Kramer(他是Electric Lady land大碟的录音师)，亦有Hendrix的经理人Chas Chandler，亦即是Animals的bass手，从他们的说话中，皆对这位天才给予极高赞赏，更可看出他们是言出于心。VCD中，当然也少不了收入 Hendrix的live performance，在台上他就如著了魔的投入，这里面就有All Along The Watchtower，Gypsy Eyes，Crosstown Traffic，Voodoo Chill……看见他完全投入的演出，指法如飞在吉他弦线上勾划出灵魂，当今之世，已没有一位吉他手有此能耐；这张Electric Lady land肯定是Hendrix迷的珍藏品，甚至是他一个音乐图监；就算你是初接触这名字，也可从这VCD中对他了解更多。这就是一个音乐必修课，课题是：Jimi Hendrix。

4、《脂粉猫王》(Jaihouse Rock)1957：“猫王”艾尔维斯·普莱斯利最典型的摇滚电影之一，描叙一个不安分的小子在监狱里迷上摇滚，出狱后成为摇滚红星，后来又蜕变成一个利欲熏心的大明星，失去了最亲密的朋友云云。在“猫王”无数连歌带演的烂片中，好歹这还算一部真正描述摇滚乐本身的电影，他的神采也还真的算得上叫人兴奋。

5、《别回头》(Don’t Look back)1967年：这部纪录片是对BOB DYLAN 1965年英国巡演的忠实记录，导演彭内贝克用影像清晰地说明那时的鲍波与“披头四”是多么的不同，与同时期的《苦难日之夜》相比，《别回头》更直接、深刻，对自己的拍摄对象也没有造星般地刻意吹捧，甚至还有毫不掩饰的刻意嘲讽。但是，再冷静的镜头都无法掩盖年轻迪伦的灿烂光芒，同现在的老迪伦相比，年轻的他无与伦比的傲慢，机智，激情洋溢，而其中一段以跨掉派代表艾伦·金斯堡为背景的开场更是弥足珍贵

6、《紫醉金迷》(Velvet Goldmine)1998年：影片再现了英国华丽摇滚在20世纪70年代早期时的景象。艺名为Maxwell Demon的华丽摇滚明星Brian Slade预言了自己将死于舞台上，当他的遇刺骗局被揭露后，他的星途就走到了尽头。10年后，原来是Slade歌迷的英国记者Arthur Stuart要发表一篇名为《究竟发生了什么？》的文章。影片马上转为多线索模式，从多个角度展示了Brian Slade的生活和事业，包括他和妻子Mandy Slade及疯狂的美国歌手Curt Wild之间的双性恋经历。很有趣的是，英国出身的伊万·麦格雷戈在这部电影中竟然饰演一个美国本土摇滚歌手，他爆发力十足的演唱，启发了片中的英国华丽摇滚歌手，两人产生了一段同志情谊，而另一个主要演员，纽约时报记者年轻时对自身欲望的探索，也是经由他的改变。剧中伊万·麦格雷戈不仅跟每个主角都有一段缠绵，甚至不惜在舞台上演唱到一半时三点全露的火辣情节，我想这也是他跟一般偶像明星截然不同的地方，他不为表演所限，自然也不拘泥于形象。

7、《伍德斯托克》(WOODSTOCK)1970年：这部几乎可以称之为乐史上最著名的摇滚纪录片，记录了嬉皮年代的音乐神话。如果你听摇滚而不知道这个，那你……当然了，WOODSTOCK也是摇滚人心中的圣堂，什么时候中国的MIDI能弄成这样就好了。

8、《迷墙》(THE WALL)1982年：一部最出色的也是最著名的摇滚电影。1979年英国的传奇摇滚乐队Pink Floyd推出了摇滚乐史上最经典的作品之一——概念性双唱片专集《The Wall》，由乐队的灵魂人物Roger Waters根据自身经历创作的半自传性作品。这张唱片以“墙”的概念为基础，抒发了对战争的恐惧(Roger Waters的父亲死于二战)，对人性麻木的控诉和社会阴暗面的描写，唱片推出后，不仅在摇滚乐界，而且引起整个西方文化界的巨大反响。两年后，英国著名导演阿仑·派克决意把它搬上银幕，他请来了英国乐队Boomtownrats的主唱Bob Geldof扮演影片主角Pink，运用大量的电影表现手法——蒙太奇和动画手段极好地传达了唱片的主题(当然也有导演自己的理解)，不仅如此，影片的音响表现手法引起极大震动，全片没有一句对白，全部采用Pink Floyd在双唱片专集《The wall》中的歌曲(也有唱片中未出现的一些歌曲在影片中出现)作为推动影片情节发展的媒介，就像一部长篇music video。可以说这部影片的出现直接引发music video的热潮出现。另外影片的制作方法也引起后来电影人的纷纷仿效。不过如果你对西方战后青年的概况和唱片本身的内容不够了解的话，你大概不易看懂这部片子。值得一提的是阿仑·派克在十五年后，又拍摄了一部根据音乐剧改编的影片《Evita》(贝隆夫人，由麦当娜主演)，全片仍然没有一句对白。

9、《席德与南希》(SID AND NANCY)1986年：虽然“性手枪”不是最出色的朋克乐队，但他们是最出名的朋克乐队，《希德与南茜》是关于这支传奇乐队的吉他手希德·维舍斯与其美国女友南茜·斯庞根那反复无常的情爱关系和罗密欧朱丽叶式的悲剧结局，导演对这两个社会食物链最底端的边缘人进行了客观的刻画：他们的粗暴和痛苦，他们的敏感和自伤，他们走向自我毁灭却似乎不可避免……每一格影像都展现了电影的愤怒、激动和真诚。经过那次危机四伏的美国巡演，“性手枪”终告解体，希德仍在海洛因毒瘾的控制之下，他试图开始个人发展，但人们在一个早上发现南茜被捅死倒在地板上，希德因为谋杀罪被捕，他们的悲剧正好印证了朋克乐队“玩闹大会”(Circle Jerks)的一首歌——“Love Kills”(爱会杀人)。科特尼·拉芙和科特·柯本的关系，经常被用来与南茜和希德的关系作比，而科特尼·拉芙恰好在这部电影里面扮演了一个小角色。加里·欧德曼和克洛·韦伯以令人折服的演技将希德与南茜关系中的那份不成熟、相互伤害及令人反感的一面清晰地凸现在观众眼前，而他们那决意摆脱任何束缚的爱情又是那么令人感伤，乃至啜泣。2000年的《肮脏与愤怒》(The Filth And The Fury)是一部关于“性手枪”乐队的杰出纪录片，真实、客观、满怀热情，而又颇具观赏性。

10、《美国风情画》(American Graffiti)1973年：《星球大战》系列的导演乔治·卢卡斯能拍出这样清新可人的小品，令人叹服。影片主演是哈里森·福特。故事以1962年夏天美国一个小镇为背景，描写几个高中生毕业一夜的生活，反映了越战前夕过着优裕富足生活的美国青年人的思想、感情，其中引用了大量美国50年代的摇滚乐作为背景音乐，如： Bill Haley(比尔·哈利)的《Rock Around The Clock》(昼夜摇滚)等等，应该说是恰如其分。这部影片是乔治·卢卡斯最有深度的作品——我就不懂为什么美国人对《星战》这样的适合于儿童观看的影片这么津津乐道——《美国风情画》比《星战》强多了。

11、《猜火车》(Train Spotting)1996年：这部电影改编自艾文·威尔士1993年同名畅销小说；成本仅二百五十万美元，拍摄时间49天。从一出炉，它就成为了舆论的焦点。不仅因为在这部低成本影片中对海洛因吸食作极为细致的描写，更由于片中所充斥的堕落情绪——伦敦的影评人说这部影片使人想要“以身试毒”。当然影片的导演并不承认，他认为影片后部对毒瘾来临时的痛苦描写是很客观的。事实上，整部影片的态度与其说是客观不如说是冷漠。影片以第一人称作为叙事角度，完全在主人公的叙述中展开情节，隐藏影片的立场；而在本来已十分松散的结构中随意终止叙述加入评论、分析甚至跨时空的追忆；这种纯主观的手法不仅使人耳目一新，也十分贴切影片的基调，从而以后的同类型影片屡屡采用，几乎成为固定模式。影片以主人公瑞顿的一段自序作为开场白：“……大电视、健身器、富特轿车、朝九晚五……选择……太多选择，你选择什么？我选择不选择。”广角镜头跟拍，配之以城市街景和Iggy Pop的音乐。影片的展开部分则完全是以瑞顿为首的一小撮颓废青年的生活实景：他们终日无所事事，东游西逛，打架酗酒泡妞吸毒；聚在铁道边打赌猜测下一列火车的经过时间以打发时日，还共同养着一个不知谁是父亲的婴儿。他们满足于这种糜烂的生活状态，即不想也认为不能改变现状，逃避一切规范和责任，并且全部是无政府主义者和海洛因吸食者。在一次畅快淋漓的集体吸毒后小婴儿意外死亡，这强烈刺激了可能是父亲的每一个人；促使瑞顿在无数次失败后下定决心戒毒。就在他戒毒成功开始普通人生活时，暴力爱好者巴比带着瑞顿的旧日伙伴找上了他，要他一起参与一次巨额贩毒。最终瑞顿偷走了贩毒所得的钱消失在人群之中。片中瑞顿过量吸食毒品后精神恍惚，昏倒在街头的段落以浪漫主义的高速摄影处理，背景配以Loud Reed宁静的《One Perfect Day》，极写吸毒后的快感；随之而来的戒毒过程则用超现实主义手法表现，以嘈杂的电子乐配合色彩极不和谐的画面构成感官刺激；与上一段落形成强烈对比。这些描写怪诞而又真实，堪称经典之笔。瑞顿的伙伴在空寂无声的铁道边大声说：“苏格兰，苏格兰，这是全世界最丑陋的地方。”其他人则对他大肆嘲笑——这就是后现代的“愤怒青年”们，他们在梦魇般的生活中自我放逐，不再树立任何意义上的精神之父。《猜火车》以其冷静的喻讽口吻，真实的叙述态度，贯穿始终的黑色幽默感及具现代感的声画处理成为另类影片中的经典；更因其中所表现的价值观和自我意识引起了极大关注和争论。以后一系列的另类影片中几乎部部都有它的影子。无怪乎有人说：“整部《NOWHERE》(美国另类影片)也比不上《猜火车》的五分钟。”

12、《大门》(THE DOORS)1991年：这是我个人十分喜爱的一部影片——当然和导演有关，我是奥列佛·斯通的忠实影迷，同时也是The Doors乐队及其主唱歌手Jim Morrison(吉姆·莫里森)的忠实乐迷。奥列佛·斯通和吉姆·莫里森是UCLA(加州大学洛杉矶分校)电影学院的校友，吉姆·莫里森在世期间，斯通曾给吉姆读过自己写的剧本，在20世纪80年代初期，斯通就萌发了把吉姆和大门乐队的事迹搬上银幕的想法，这个愿望直到斯通完成了《生逢七月四日》后才得以实现，在他宣布要拍摄这部影片之后，很多男影星都争相要饰演男主角吉姆——因为这个角色实在是太有挑战性了，最后外形酷似吉姆·莫里森的方·基默幸运入选。斯通在拍摄这部影片时，采取的不同于一般人物传记片的手法，截取了吉姆一生的几个片段，并且并不完全拘泥于史实，甚至是一些超现实主义的手法(如那个反复出现的死于车祸的老印第安人)来表现吉姆和大门乐队的传奇经历，取得很好效果。斯通不愧于电影大师的称号，他对影片的气氛和节奏把握得恰到好处。方· 基默的演出也十分出色，为了演好这个极富争议的角色，他不但认真研究表演方法，而且刻苦钻研了吉姆和大门乐队的诗作和歌曲，认真体会角色的性格，甚至模仿吉姆的一举一动，应该说，他把这个人物刻画得淋漓尽致，不但是形似，而且是神似(即使没看过影片，只看过剧照的人相信也会同意我的说法)。方·基默为此付出的代价是在影片拍摄结束的很长一段时间内，不能从角色中解脱出来。这部影片和斯通的其他作品一样，放映后引起极大的争议，但其艺术价值毋容置疑。这部影片也向人们证明——方·基默和梅格·瑞恩(在影片中饰演吉姆的妻子帕米拉)不是只会扮演诸如《壮志凌云》中那样傻傻的角色。

13、《歌声泪痕》(THEROSE)1979年：这是一部关于摇滚乐史上最伟大的女性——Janis Joplin的传记片，制片人找了一位外形比较相似、同时也是一名歌手的贝蒂·米德勒来出演这位传奇女星的短暂一生，令人唏嘘不已。贝蒂·米德勒的表演应该说是比较到位的。影片中除了引用了大量Janis Joplin的歌曲以外，贝蒂·米德勒也一展歌喉，在影片中大放异彩。影片的原声专集十分畅销，其中出现了一曲也许是摇滚乐史上最为动听的歌曲《The Rose》(玫瑰)。

14、《摇滚梦》(Starstruck)1982年：这是一部不需要知道故事，不需要知道导演，也能够随之摇摆狂舞的摇滚电影！俗套的剧情：女孩怀着摘星梦，女孩的母亲失业，家庭陷入危机，女孩参加歌唱比赛，女孩遇见男孩，男孩失去女孩，男孩赢回女孩芳心。导演展现驾驭类型电影的神奇能力，全片洋溢的青春摇滚气息宛如歌舞剧版《舞国英雄》，喜爱摇滚乐的你不可错过。

15、《给我庇护》(Gimme Shelter)1970年：1969年Woodstock音乐节四个月之后，发生了一次名气远在前者之下、但就意义与成就来说不遑多让的枪杀事件。这部电影就是记录这次事件的。这支乐队可以说是20世纪60年代摇滚的终结者，当然它的表面现象是1969年12月。当时，在美国有大量乐迷的Rolling Stones乐队在美国加州奥德蒙举行一场免费演唱会，当天有40万观众来到现场，但悲剧发生了，被聘来维持秩序的飞车党在演唱会上演了暴力的场面，一名观众被追杀而死。这部又名《让我躲藏》的纪录片记下了“滚石”乐队最值得珍藏的瞬间，也记下了“地狱天使”的凶猛身影，本来是来维持秩序的他们最终却与部分观众大打出手，让20世纪60年代爱与和平的聚会的巨大神话在瞬间倒塌，正因为这些无比真实的镜头，，这部电影在摇滚文献中的重要性非同一般。

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By Richie Unterberger

对于大部分摇滚音乐迷来说，”硬核”（Hardcore）这个词汇并不陌生，但并不是所有人都对他有一个清晰的认识和了解。随着摇滚音乐在中国的不断普及，这个词汇也开始映入人们的眼帘，它对当今摇滚乐的影响远比它真正繁荣的八十年代要大的多；虽然现在很难找到一支走红的纯粹的硬核乐团，但是它确实广泛地影响着当今众多门派的摇滚音乐，从朋克，新金属到残忍死亡金属，你都可以轻易找到它的影子。

凭心而论，Hardcore这个词汇现在已经被用的过多过滥了，与它的直系老祖宗–早期朋克音乐相比，硬核音乐更快，更吵，也更重。随着当年第一波朋克浪潮成为整个摇滚产业的核心，硬核音乐也开始作为一股地下暗流方兴未艾。那时的听众逐渐发现RAMONES，BUZZCOCKS，THE CLASH等早期朋克巨头并不能满足他们对快速、吵闹，粗暴音乐的日益渴求。这时候，早期的地下硬核音乐吸取了RAMONES经典的”1-2-3-4!”歌曲开场白，这种与传统的倒数背道而驰的做法，起到了加速音乐节拍的作用，同时也更能激发演奏者和现场观众的热情；在乐器表现上，硬核音乐则更倾向于传统的三件套-吉他、贝司、鼓的单兵作战，并且用半吼式的唱腔，向听众宣泄出极具煽动性的情绪。

硬核音乐的”根儿”可以回溯到七十年代末，美国对英伦朋克超新星的回应。这和当初美国的车库乐团对六十年代”不列颠入侵”的回应多少有些类似，其结果是美国乐团以更粗鲁和原始的变异去延续英国人确立的摇滚风格。当时，大部分杰出的硬核启蒙乐团都根植于美国的加州，特别是南加州和旧金山海岸地区。其中的佼佼者如AVENGERS（复仇者），DILS，GERMS（细菌）等团体都在尝试着将英式朋克发展成为一种更粗糙野蛮的音乐风格。不久，这一运动中的其他乐团，百尺竿头，更进一步，终于将硬核音乐带入了舞台。但是说实话，把这两部分乐团硬是分开有点勉强，毕竟”Straight-Ahead”Punk和硬核音乐的差别在那时候并不算太明显。

因此，早期硬核音乐的开拓者绝大多数都来自加州，比如THE DEAD KENNEDYS（死肯尼迪家族），BLACK FLAG（黑旗），FLIPPER（鳍肢），THE CIRCLE JERKS（一堆傻瓜）等等。那时候几乎每所城市，每所大学里都有自己的朋克音乐圈，所以不久之后也就都拥有了一定数量的硬核乐团。除去加州以外，另一个硬核音乐比较集中的城市就是华盛顿，他们是MINOR THREAT（小凶兆），THE BAD BRAINS（坏脑）等乐团的老家，当然还有温哥华和波士顿的一些乐团，但是我们这里提及的名字不过是冰山一角。这股硬核音乐风潮并没有仅限于美国，英国的硬核乐团也并不是无名小辈。比如WIRE（电线）和THE FALL（秋日）的早期专辑，从最小限度的旋律段落，敲击型的乐曲架构等方面也可称之为具有里程碑意义的作品。其他的英国团体例如G.B.H.，THE EXPLOITED（被压榨者），U.K.SUBS（英国低能儿）等也带动了这股全球性地下音乐风潮的涌动。诚然，在世界范围内有众多优秀的硬核乐团，但美国总是被看作这种音乐风格的温床和掌旗者。”旋律”–公平的说，在绝大多数从事硬核音乐的乐手眼中并不是最重要的，而且从不把音乐的”旋律”当回事的乐团也绝不在少数。在他们眼中，第一位的永远是这种音乐所反映出的能量和不可抑制的愤怒。虽然硬核音乐不像说唱音乐（Rap Music ）那样具有多变的结构和丰富的声音特征，但它同样将歌词及其背后的寓意放在了首要的位置。硬核音乐的歌词总是非常尖锐的指出社会及政治上的问题，而对其他领域则涉及的甚少。它将矛头直指政府、企业、教师、雇员以及一切拥有社会权力的人群；而且大多数时候，性别歧视、种族主义、军备竞赛、雅皮士等都被放在一起进行攻击。大多数的硬核音乐人缺乏幽默感，就像他们所攻击的对象一样不苟言笑，但实际上还是有些乐团，例如THE DEAD KENNEDYS，BLACK FLAG，SUICIDAL TENDENCIES（自杀倾向）等一些团体在尝试严厉谴责攻击对象的同时，用一种有限的幽默进行调剂和嘲弄。这方面比较典型的歌曲，例如BLACK FLAG的”TV Party”（电视聚会），SUICIDAL TENDENCIES的”Institutionalized”（制度化）等歌曲中的调侃确实能使人捧腹大笑，使得这种风格不再为朋克音乐所独有。

如果我们现在重新听一些早期的硬核音乐作品，会惊奇的发现其中并不缺乏旋律要素，但是稍微靠后一些的作品却表现出对音乐旋律的彻底唾弃以及难以想象的音乐行进速度。这种音乐风格上的急剧变化使得硬核脱离了常规摇滚音乐的模式，不再需要任何传统的乐器演奏和歌曲写作技巧。事实上，当时大部分的硬核音乐作品都是由一些蚊型的独立厂牌录制发行的，而这些厂牌的老板往往就是乐团自己。在低成本制作的带动下，硬核舞台迅速聚集了大批的地下乐团，其中的佼佼者使这种音乐得到了更为广泛的传播，也促进了更多风格分支的涌现，值得一提的名字有TSOL（第一支将死亡、歌特等题材引入硬核音乐中的乐团），MDC（这个乐团名称在不同时期代表不同的含义，比如Millions of Dead Cops-成千上万个死条子，Multi-Death Corporation-大屠杀公司，Millions of Damn Christians-成千上万个该死的基督徒），JFA（Jodie Foster’s Army-缓役男子军队），REDD KROSS（他们的成名仅仅归功于乐团成员都是小崽儿，和中国的”花儿”有点像）。每个月，甚至每一周都有大量的低价专辑，单曲，磁带面世，很多歌曲因为录音质量低劣，并没有得到广泛的传播，而是在有限的范围内自生自灭…

和其他亚文化一样，硬核音乐也具有很多自相矛盾之处。从音乐结构上来说，硬核音乐反对因循守旧、盲目抄袭他人，但是大多数的硬核歌曲都顽固的坚持着一套既成的结构，即先是一段”不知所云”的吉他失真，主唱喊出”1，2，1-2-3-4″，紧接着是一阵如同家中小犬大闹餐桌般混乱的叮叮咣咣的吉他和弦；硬核音乐背后的思想偏向左翼，有时候也表现出无政府主义的倾向，但是这种音乐形式却日益被一些新纳粹或法西斯青年利用，成为光头党”耍酷”的另一得力工具；硬核音乐将歌词的创作提升到很重要的地位，其对社会敏感问题的尖锐剖析与那些自命不凡的小朋克们当然不可同日而语，但在演唱的时候，由于通常采用嘶喊式的唱腔，这些原本十分犀利的歌词听众也便无从知晓，难以分辨；而最大的矛盾抑或对比在于，硬核音乐在现场演奏的时候极富暴力冲击性，而它的歌词大多数又在鼓吹团结、和平与忍耐；值得赞扬的是硬核音乐家坚定的支持种族和性别平等，但它的歌迷大多数又是白人男性；硬核音乐反对明哲保身，疏远他人，提倡社会变革，增进人与人的接触了解，但同时他们却坚持走非商业的地下道路，使绝大多数的摇滚乐迷从无机会接触到它，而且当激流/敲击金属从硬核音乐中脱颖而出受到更为广泛的关注的时候，却总被昔日的同行斥责为将硬核音乐卖给了商业大亨！

诚然，也许是有硬核音乐家渴望获得商业上的成功和更多听众的认可，但他们同时也深受碾核音乐既定的那些在旋律、歌词、题材上的束缚，而这种对”传统”的拘泥有时候比其他摇滚风格中存在的”因循守旧”要严重的多。在纯粹的硬乐团继续在地下顽固死守的时候，THE REPLACEMENT，X，THE MEAT PUPPETS乃至GREEN DAY，NIRVANA等朋克/另类乐团凭借他们年轻时所受硬核音乐的熏陶，将硬核成分融入到自己的音乐中去，逐渐将”另类”带上了主流音乐舞台；在90年代中期，早期的”硬核明星”如Henry Rollins（BLACK FLAG），Bob Mould（HUSKER DU），Mike Watt（MINUTEMEN）逐渐成为了真正的”摇滚明星”，他们不再搞硬核音乐，但是他们现在的走红增仍旧归功于他们在硬核时代歌迷群的培养。除此之外现在仍存活的那些硬核乐团几乎在没有改变自己的游戏规则去寻求商业上的成功。当然这里有个特例便是BEASTIE BOYS（野兽男孩），他们从硬核朋克到白人说唱的转型为其带来了商业上的成功，而他们在大红大紫的同时却再次回归老本行，可见硬核音乐所具有的魅力是不会随着时间的流逝而褪色的。

出人意料的是，硬核音乐本身的顽固和商业化的失败却没有影响到它为其他音乐风格所奠定的坚实基础，那些在八十和九十年代取得商业成功的金属乐团，无不是借鉴了硬核音乐中吉他的高速演奏，并在词作和演唱上吸取了硬核音乐强硬的态度和作风。METALLICA，SLAYER，DANZIG，MEGADETH等乐团早期作品中所呈现的硬核特征，使他们获得了几个新的称谓”Thrash Metal”（激流/敲击金属），”Death Metal”（这和现在意义上的死亡金属有着本质上的区别，这里的”Death”并不是音乐演奏特点上的，而所指的是歌颂末日、死亡、神秘事物等看起来非常”死亡”的主题的激流/敲击金属），或者”Speedcore”（速核）。而像早期PRONG，NAPALM DEATH以及其他一些将朋克无政府思想混合在碾性金属中的乐团则被称为”Grindcore”（碾核）。当然只有非常稀少的机会使一些地下硬核明星团体，比如SUICIDAL TENDENCIES，或者具有硬核倾向的乐团，比如SOCIAL DISTORTION（社会扭曲），能够签约于主流唱片公司，但他们随即就朝着更硬摇滚化，金属化的方向发展。

当地下硬核音乐圈借助其他音乐的帮助逐渐被外界所知晓的时候，日益严峻的形势和外在的压力也就接踵而来。DEAD KENNEDYS的主唱Jello Biafra应该对此深有感触。他在参与乐团的同时还帮助经营一家叫做Alternative Tentacles（另类触角）的唱片公司，由于在一张该公司的宣传海报中运用了触及社会敏感问题的图片和言语，被洛杉矶当地检查机关以威胁社会安定为名告上法庭。虽然他最终被宣告无罪，但这场旷日持久的官司却最终导致了DEAD KENNEDYS的解散。虽然硬核音乐作品不能获得媒体，甚至是非主流媒体的关注，但是依靠着因特网、歌迷杂志、极限运动圈以及数量很少的演出场地的帮助，在过去的二十年里它也形成并保留了一批铁杆歌迷。1994年，当Jello Biafra在伯克利一家朋克酒吧被一群认为他已经成为摇滚明星并背叛硬核音乐的暴徒们打断腿的那一刻，并不意味着硬核，这条在摇滚音乐发展史上颇为漫长、独特的支路已趋于没落终结；相反，它却沿着自己的轨迹步入了新的千年。

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